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Drummer / Drum Instructorの K-FUNK a.k.a. 本間克範の日記です。 コメント宜しくお願いします。
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11/26~30に亘ったワタクシの広島ツアー。
そのレビューはもう完結しているとお思いの皆様。
 
そうはいきません。
 
というのも、大事なことがまだ残っているのです。
※今回ももれなく長文注意ですのでご注意を。
 
 
今回広島でお会いした皆さんは、ワタクシが音楽をする為に出向いた事から当然音楽の現場でお会いした方々です。

そういった方々との邂逅は、そういった方々からもたらされる、形のあるものとの邂逅でもあります。
 
まずはこれです。CD。

 
技術だけに留まらず、表現方法、表現の場の選定と創造。
そしてその表現の核となる衝動。
またその衝動との向き合い方、磨き上げ具合。

それらの作品が凝縮されCDという形になっていますので、生演奏に対する意味で敢えて「モノ」と言わせて頂きました。
 
 
丹精込めて魂込めて作られた作品ですので腰を据えて聴かないと感想など書いてはイカンなと思っていましたが、聞き出すと一気に聴いてしまうものです。
 
 

 
大判のとても凝ったデザインを持つジャケットに収められたCDはリーダー宮田麻美さんによるソリッドなアレンジでパット・メセニーの曲をしなやかに聴かせてくれます。

しかしそのしなやかさは、四声という、ジャズを表現するハーモニーとしてはかなり制約のあるスタイルをもって不足を全く感じさせず、それどころか四声以上の広がりをハーモニーの変化と共に見事に創造されています。

メセニーの音楽には、どんなにスリリングであっても、ワタクシはある種のノスタルジアやセンチメンタリズムを感じるのですが、それが美しい音色、ハーモニーと共に胸に迫る、素晴らしい作品集です。

宮田さんと共にレコーディングに参加された久保田麻里さん、前田悠貴さん、プロデューサー兼の藤井政美さん、ゲストプレイヤーの因幡由紀さん(vo)、Juan Ortis(ホアン・オルティス、pf)、山口圭一さん(Per、Drs)。
素晴らしい音楽をありがとうございました。
 
 

そして今回の邂逅を一方的に楽しみにさせて頂いた方、奥田治義さん(b)。
 
『孤高のベーシスト』と、紹介文には必ず冠が付けられる奥田さんの、孤高なご様子はSNSでは拝見しておりました。
是非その演奏を聴かせて頂きたいと思っていましたが、奥田さんもCDをリリースされているとの事。
勿論頂きます!
※画像左

一言で言い表す事は愚か、一度聴いただけでは表現時の心象、その音を発するに至る瞬間の衝動、それらはまだ正直分かりません。

しかし全曲を聴き終えて感じたのは、楽音、非楽音全てをCDというメディアに込めるのが目的だったのではないかと。
それはつまり、「生きる」という営みと「演奏する」という芸術行為の垣根を取り払う(壊す?消す?)事が奥田さんの目指すところなのかなと、浅はかな思考で感じました。

カルフールの、一切の無駄を排除した構築美とは対極のようでいて、結果皆さん人生を賭して向き合われている点は全く同じなんですね。
 
 

お次は今回初共演させてもらったスペイン人ピアニスト、Juan Ortis(ホアン・オルティス)
 
カルフールのCDでも客演していますが、瑞々しい感覚を持った素晴らしいジャズピアニストです。
その彼が本国スペインで2013年にリリースし、ベストジャズアルバムに選出された、なんとライブアルバム。
※画像中央下

現在のトレンドともいえる、ビンテージサウンドのアコースティック楽器で変拍子やリハーモナイズを次々投入し、しかもそれがさらりと流れるように、時に杭を打つようにドンと印象付けられたり。
本当に変幻自在です。若いのに。いや若いからこそ。

トリオの演奏ですが、全員のリズム感覚の見事な一致によって、一体感と広がりが人数を全く感じさせません。
むしろこれがトリオのあるべき姿なのでしょう。うぬぬ...。
 
 

もう一枚。藤井さんがシリーズリリースされているTiesの第3弾。
※画像右
 
今作は藤井さんのサックスとゆみゆみさんのピアノによるデュオ作品集。
奥田さんの作品とレコーディング場所は同じかしら?
ホールのナチュラルな残響音を活かしたアコースティックな響きがこの作品でもとても心地よく広がります。

選曲も関係していると思いますが、藤井さんの時に力強く時にメロウに歌うサックスと、重厚なサウンドも古き佳きテイストも自在に操るゆみゆみさんの演奏がとてもよくマッチしています。
お二人の関係性が見えるような、とても暖かい雰囲気のCDです。

意外だったM7と、ゆみゆみさんの面目躍如のM8が、このCDのトータルイメージを唯一無二にしていると思います。
 
 

そして番外編。もしくは本題。
 
新潟でニアミスしていたり、SNSではとっくに繋がっていたりで、初対面とは全く思えなかった広島のドラマー、山口圭一さん。

今回のツアーではツインドラムを実現させ、成功かどうかは別として確実に爪あとを残した我々ですが、そんなワタクシに山口氏が兄弟の契りとしてこのようなモノをプレゼントしてくれました。

ドラマー必携の道具、チューニングキー。

しかし形が少し変わっています。

一般的なものはもっと小ぶりなT字形をしていますが、これは片方によった大き目のウィングを持っています。
これがとても握りやすく、しかもねじを回す時に人差し指一本でこの大き目ウィングをクルクルっと回せる。
作業がとても素早く効率的にこなせる訳です。

ただ残念なことにもう生産していないとの事。
彼が使っているのをワタクシはいち早く目ざとく発見していましたが、まさか国内メーカー製品とは思わず。

何しろ見たことないんです。
そんな貴重なものを頂けるなんて!

実は、チューニングキーは消耗品なんです。ネジの差込口が磨耗して割とすぐ使えなくなります。

だからこれは使用せず大事に保管しておきます。
兄弟の契りの品として。
 
 
新潟に戻った次の日からもう広島に行きたくなっているワタクシですが、今回出会った皆さん、手元にあるこれらのモノ、そして自分の脳裏と携帯の画像フォルダにある数々の断片を、いつでも繋ぎ合わせられるように書き残して、次また広島に行ける日を楽しみにしていたいと思います。
 
 

出会った皆さん、藤井さん、そしてANちくしょうに、心から感謝致します。




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吹雪になった"冬のジャズスト"。

ワタクシの出番は12:00〜14:00と、21:00〜23:00という、
所謂「最初と最後」でした。



18:00頃の「器」と「Jazz Flash」に行きましたがどちらも満席で入れず。


スケジュール表を見て音文13練習室に、

昔のバンド仲間と行ってみました。




「Birds Of A Feather」from東京。

若い方々のバンドで3管編成、

しかしアルトサックス、バリトンサックス、ホルンという

ユニークな編成でした。




恐らく音大卒の皆さんと思われますが、

しっかり楽器が鳴っていて基礎力の高さが伺えましたよ。




何よりホルンでジャズを。

しっかり鳴るとホルンはトロンボーンのような響きを持つのだなと新発見。

ピアノの方とホルンの方がボーカルも取り、

若いチャレンジ精神がとても爽やかな皆さんでした。



全国のジャズフェスにも出演されているようですよ。

少し早めに会場に入って、

メンバーの方々と話をするのもジャズストの楽しみ方の一つです。








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こんなワタクシでも、

地元新潟において一応「プロ」と呼ばれる仕事を

させてもらっています。



ただ一般的に「プロ」といえば、

CDをリリースしてTVに出て雑誌に出て

大きなホールでコンサートをする人達の事を指しますよね。



知ってます。



生徒とも話した事がありますが、

日本においてのプロ...何かしらをして報酬を得る人

外国においてのプロ...何かしらにおいて専門知識/技術を持った人

といった解釈の違いがあります。



どちらが正しいか。



どちらも間違ってはいないと思います。

ただ英語である以上は外国の考え方が

本来の意味合いですよね。




新潟と言う「地方」(言い換えれば「田舎」)で

音楽活動をして報酬を得るというのは、

一般的な目から見た「プロ」とはだいぶ掛け離れています。

それでも演る側は「プロ」としての意識を

高く持っていなければいけません。




ただ、ギャラを得る事の方ばかり気にしてはいませんかと。




一般の人々にはなかなか持ち得ない技術と知識と経験を持って

人前でそれを披露する。させて頂く。

そして目指すべきは、

一般の人々がイメージする「プロ」が持つ

知識と技術と経験でしょう。



ミュージシャンであれば人前で演奏なりを披露する訳ですが、

観に来て下さる人々と演らせて頂く自分と、

技術と知識と経験において

一体どの程度の差異があるのか。

そもそも差異があるのか。

自分が人前で披露しているその技術は

誰が観ても聴いても本当に素晴らしいと言えるものなのか。

プロミュージシャン「ごっこ」で終わってはいないのか。




ギャラの話も大事ですが、

自分自身の技術やセンスに簡単に満足しない事、

常に自分自身の更新を怠らない意識の高さが

ギャラを生むはずです。




これを発言すれば

自分にも降りかかってくることは承知の上で、

ちょっと我慢できずしたためてみました。





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「Playing The Orchestra」

坂本龍一氏のライフワークとなっている、

自身の作品をオーケストラアレンジで再構築するコンサート。

昨日4月9日、

りゅーとぴあでそのコンサートを体感して来ました。


坂本氏は言わずと知れた

小学生の時に兄がカセットテープを持っており、

それを聞かせてもらって大衝撃を受けたのが

ワタクシが音楽への扉を開けた瞬間です。



最初はシンセの音に単純にワクワクしていた訳ですが、

次第に「コード(和音)」に興味を感じていきました。

特に興味をそそられるコードワークを持った曲は

殆どが坂本氏による曲でした。



言わば坂本氏は、僕の音楽の先生だったのです。



勝手に。





まあそんな人は日本全国にいる訳で、

昨日のコンサートも多くはそういったYMO世代でしょう。

坂本氏はクラシックに始まり、

ジャズ、現代音楽、ポップスというフィールドを

通って来られたようですが、

コンサートでは氏のクラシックの側面のみを期待して来る人は

まずいないでしょう。

オケだからといってクラシックな訳ではありません。



かく言うワタクシも、

半分は完全なるミーハー心で行きました。

だって教え子ですから。



いろんな事を感じましたが、

クラシックの作曲とポップスの作曲の違いというのが、

自分の中での今までと同様

ハッキリしないままハッキリした、という感じでした。



クラシックに疎いワタクシですが、

クラシックとポップスの作曲には

「コード」という考えで作曲されたかどうかが

深く関わっている気がします。



特にテンションコード。



各楽器が基本の和音構成の中に於いて

流れの中でテンションを作る音程を発するのがクラシック、

最初から和音構成の中に




テンションを作る音程を含んでいるのがポップス。

言葉で言うとそうなるのでしょうか。



伝わります?



その意味に於いてはやはり




坂本氏はポップスの音楽家だなと思うのです。

氏が本意気でクラシックと向き合って作曲したらどうなるのか⁉︎

逆にそこがとても気になったコンサートでした。





しかし氏がずっとスタイルの根底に据えている現代音楽の要素、

例えばポリリズムや、ノイズを多用したユニークな表現

(バイオリンの擦弦ノイズ、ブラシによるティンパニのスウィープ、

更には木管楽器のキーを押す音でのリズムが秀逸でした!)。

そういったところは、

「さすがオレの師匠!www」と顔がほころびました。





チケット代をケチったので(苦笑)正面から見られなかった為

オケのバランス的にはいい音で聴けませんでしたが、

弾き振りをする坂本氏の表情、

顔も、指先も、

しっかり見ることが出来たのは

ミーハーとしては嬉しかったですね。





中学生の頃、

「坂本龍一は将来音楽の教科書に載る!」

と確信を得て友達に話した事がありますが、

そんな感じは既に飛び越しています。

氏の発言(特に政治的な)を全てフォローしようとは思いませんが、

やはり坂本氏の作った音楽で目覚めてしまった自分としては、

「観てよかった」コンサートでした。





そしてそのコンサートのピアノを調律、調整した

YAMAHAアーティストサービスの酒井武さん

とても美しい音色をピアノが発していました。

アンコールの「戦場のメリークリスマス」に於けるイントロは

ゾクっとする程の煌びやかな高音で

会場を釘付けにしていました。

その黒子に徹した確かな仕事に最大級の敬意を評します。





酒井さん!








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『ミュシャ展』。




現在新潟市万代島美術館で開催されている

話題の展覧会。





久々に夫婦揃って休みが取れたので、

その話題に乗っかって見てきましたよ。




広告デザインで名を馳せた当時としては新世代の画家だったのではないでしょうか。

ロートレックとかも確かそうですよね。



知識は浅いのでそこら辺は突っ込まないで頂きたいですが。




件の『ミュシャ展』ですが、

もう20年ほど前に新潟市美術館でも展覧会が行われ、

まだ子供も生まれていなかった頃の我々夫婦は

時間の余裕に物を言わせて名画の数々を

楽しんできた訳ですが、

今回は本邦初公開の絵画彫刻も多数展示され

とても興味深いものでした。





広告デザインで名を馳せた。

それもそうですが、

写真/フィルム世代の画家なんだなと強く感じました。

構図の取り方、陰影の作り方、パース、

モデルのポージング、

どれをとっても当時としてはきっと新しい、

つまりは現代に通ずる感覚を覚えるのです。




リトグラフでのグラデーション表現も、

仕上がりをイメージした上での個性的な線使い、色使いで、

前回そこまで気をつけていなかったというところまで

つぶさに見る事が出来ました。




更に感じたのはその影響力。




数多くの線を使って表現する影、動き、質感。

「アール・ヌーヴォー」と同義とされるアーチを描くような髪の毛の描写。

そして平面のみならず、

金属の頭部彫像における髪の毛の表現方法。

長い髪を後ろで束ねたその束や、

顔の両側面に垂らされた髪の、

細い髪の集合を塊で作り上げる表現方法は、

現在のフィギュア製作にその影響を感じずにはいられません。





あの漫画家、あのイラストレイター、あの立体造形作家...。




その影響力は多岐に及び、

しかもそれがスタンダードになっている。




驚くべき事実を、

次々目に入る作品群から思い知らされました。






そしてそれらは、

時代背景、民族問題、

様々な感情を、

画を通して表現すると決めた心の強さを孕んで、

時代を超えたスタンダードとして、

また静かなる叫びとして訴えかけてくる唯一無二の存在として、

高めているのだと思います。





ただ好きな絵の原画を見たい。

そんな思いで行ってきたのですが、

それ以上のものを得ることが出来たと感じています。





創作とは。




その一つの答えを見ました。




大変な事だ...。








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